Vente classique de janvier.

Joan MIRO (1893-1983). Pour le salon de Mai 1966. Lithographie. 50 x 65 cm. PHOTO PUB

Gravure de Pierre-Joseph Redouté, XVIIIème siècle Dimensions : 24 x 32 (à vue) Rose trémière

Utagawa Yoshitsuya (1822-1866) , Oguri Hangan jouant de la flûte pour charmer l'esprit du grand serpent du lac Mizoro, qui lui apparaissait sous les traits d'une merveilleuse jeune fille. Rare estampe signée en bas à gauche, titrée en haut à droite , 36,3x25 cm + cadre 46x34,5 cm. Oguri est un personnage de la littérature japonaise médiévale. Artiste japonais, graveur, peintre, dessinateur. Il s'agit de l'un des derniers grands maîtres de l'estampe sur bois japonaise, connu pour ses dessins guerriers ou ses scènes issues de l'Histoire et des légendes japonaises

Francesco Brini, ou del Brina , actif à Florence en 1540 - 1586 (attribué à), Vierge aux cerises, à l'Enfant et Saint Jean Baptiste, huile sur panneau de peuplier, petits manques de peinture, repeints, inscription ancienne au dos du panneau : Frsco Brina, Dimensions : 78,5x60,5 cm + cadre : 100x83 cm . Rare représentation religieuse avec des cerises, elles symbolisent la douceur du Paradis et le sang de la passion du Christ. Avec son frère aîné Giovanni, élèves dans l'atelier de Michele Tosini, Francesco Brina fut un interprète talentueux, parmi les acteurs du renouveau de la peinture florentine dans la seconde moitié du XVIe siècle. Parallèlement à la création de grands retables et de fresques pour les églises toscanes, on remarque la production de panneaux de petite et moyenne taille, comme celui en question, principalement des Saintes Familles. ou des représentations de Madones à l'Enfant, fortement caractérisées par une homogénéité compositionnelle et stylistique. (Réf. bibliographique: Alessandro Nesi, 'Ombre e luci su Francesco Brina', Arte Cristiana, 2006). Provenance : succession, Genève.

Camille Hilaire (1916 - 2004). Pesage à Deauville. Huile sur toile. Signée. 54 x 65 cm.

Pierre Ambrogiani (1907 - 1985). Travailleur au champ. Huile sur toile. Signée. 56 x 38 cm.

Pierre Ambrogiani (1907 - 1985). 3 personnages. Huile sur toile. Signée. Cadre Delf. 54 x 73 cm.

Emilio Grau-sala (1911 - 1975). La fenêtre. Huile sur toile. Signée. 54 x 65 cm.

Hugo Baptista né en 1935. Precipitadas. Composition. HSToile. 100 x 80 cm. (sans chassis) MANDAT ?

Hiroshi YASUKAWA (né en 1931) Composition monochrome, 1979. Acrylique sur toile Signée au dos et datée 96 x 190 cm Provenance : vente d'atelier, Audap-Mirabaud, Drouot, 08/04/2015 Provenance : collection privée Luxembourg Pétri de culture nippone et chinoise, très imprégné de la philosophie et de la poésie chinoise du VIIIe siècle, Yasukawa crée des oeuvres sans titre qu'il veut des supports de meditation, dans une quête sans fin de la plus etrême simplicité appartente. Les oeuvres de Yasukawa sont des supports de méditation produit d'un long travail sur la composition et la couleur, elles demandent à être regardées longtemps car chaque détail compte Son abstraction géométrique résulte d'un long travail de composition oú l'artisrte cherche à créer un support de méditation pourl le spectateur. Ses compopsitions sont plane et d'une géométrie stricte mais les noubreuses couches de couleurs que l'artiste applique facilitent l'immersion dans son oeuvre. Il ne cherche qu'à exprimer l'essentiel et supprimer impitoyablement le superflu. Les oeuvres de Hiroshi YASUKAWA représentent la manifestation dans le geste artistique de la capacité de l'homme à atteindre l'essence de la nature, au-delà de son apparence visible, à l'inspiration des leçons de Piet Mondrian ou Theo Van Doesburg, restituées par YASUKAWA avec, peut-être, par la simplicité des lignes et la pureté du trait, davantage d'aboutissement dans le processus d'abstraction. Sans doute ont-elles aussi une première fonction symbolique, qui n'était pas étrangère aux artistes du mouvement De Stijl, chaque figure géométrique pouvant revêtir une signification universelle, la sphère figurant le milieu parfait, le cercle, l'espace clos, l'équerre ou angle droit symbolisant le travail de l'homme sur la matière ou la règle de comportement. Au-delà de la sérénité, le regard posé sur l'oeuvre de Hiroshi YASUKAWA trouve toujours, dès lors, la récompense du sentiment d'accomplissement esthétique, en respect des principes taoïstes de l'art, suivant lesquels la force créatrice de l'artiste " est la manifestation de la force créatrice de l'univers ", la tâche de l'artiste étant de " créer des formes d'un monde plus parfait et plus pur, qui doivent être les modèles d'une humanité ou d'une existence supérieures " (1). Ses oeuvres ont reçu de multiples distinctions et sont présentes dans de nombreux musées et collections privées américaines, européennes et asiatiques.

Jean Legros(1917-1981) Sans titre 1977 Acrylique sur toile Signée, datée en bas à droite Cachet de l'atelier 116 x 72 cm Intéressé par l'abstraction, il devient l'élève de Jean Dewasne (1921-1999) en 1949. La force des couleurs et les lignes géométriques des toiles de son maître l'amène à réaliser des oeuvres de ce type, mais dont les couleurs ne sont pas appliquées de façon uniforme. Vers 1957, Jean Legros pend conscience que son travail tend de plus en plus vers l'absolu avec une dimension très spirituelle. En 1958 il s'engoue pour la Beauce et 1l'immensité de ses champs et y fixe son atelier. Au cours des années 1960, il parvient à une abstraction plus pure et minimale qu'il ne quittera plus, avec des aplats de couleurs homogènes. En 1973, s'ouvre pour Jean Legros la période de l'abstraction colorée purement géométrique. " Les couleurs, tantôt statiques ou tantôt dynamiques, qui s'allient ou au contraire glissent et se percutent, "se mettent en lumière", selon sa propre expression. Ce sont alors, de 1973 à 1981, les séries des Toiles à bandes, des Espaces biais, des Oiseaux-nuages, des Ronds musicaux, des Carrés tensifs, des Circuits colorés. Cultivant de vraies amitiés intellectuelles (Aurelie Nemours, Jean Leppien…), sa quête d'absolu donnera naissance à une peinture d'une grande spiritualité et très abstraite, avec vision très personnelle où l'artiste libère ce qu'il nomme lui-même le pouvoir énergétique de la couleur. Après une vie de recherches rigoureuses consacrées par une oeuvre exigeante, il est désormais reconnu comnme le Barnett Newman des États-Unis " (Roger Leloup).

Henry VALENSI 1883 - 1960 Nocturne illuminé - 1959 Huile sur toile Signée, datée et titrée en bas à gauche "Henry Valensi, Nocturne Illuminé, 1959" 81 x 116cm Provenance : Vente Orsay, 4 décembre 1977 Collection particulière, Paris Provenance : collection privée Luxembourg L'authenticité de cette oeuvre a été confirmée par Monsieur Didier Vallens, neveu de l'artiste et président de l'Association Henry Valensi. Le certificat d'authenticité daté du 16.04.2021 sera remis à l'acquéreur Henry Valensi est un peintre, réalisateur, animateur et théoricien de l'art français né le 17 septembre 1883 à Alger et mort le 21 avril 1960 à Bailly. Il est le fondateur du mouvement du musicalisme et l'auteur d'un unique film d'animation abstrait de " cinépeinture ", La Symponie printanière1. En 1912, il gère et organise le Salon de la Section d'Or aux côtés de Jacques Villon, Pierre Dumont, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp et Francis Picabia. A côté du "Nu descendant l'escalier " de Marcel Duchamp, Valensi accroche "L'air autour que des scieurs de long" que l'on trouve au Musée des Beaux Arts de Lyon En 1932, Henry Valensi et trois autres peintres - Charles Blanc-Gatti, Gustave Bourgogne et Vito Stracquadaini - fondent l'Association des artistes musicalistes et organisent à Paris à la galerie Renaissance le premier des 23 Salons musicalistes. Selon leur manifeste, la peinture " doit suivre les lois générales de la musique, entre rythme, dynamique et simultanéité ".. Ils mesurent l'importance de former un noyau susceptible d'attirer d'autres créateurs et sont bientôt rejoints par les peintres Robert et Sonia Delaunay, le sculpteur Zadkine, ou encore les compositeurs Maurice Ravel ou Darius Milhaud. L'Art occupe saelon Valensi une place prépondérante dans l'évolution de la conscience de Soi à travers les civilisations. Parce qu'elle est science, rythme et dynamisme, la musique devient au XXe siècle l'art le plus à même d'exprimer les nuances et les subtilités de l'âme humaine. Le son comme la couleur sont vibrations de matière, le peintre musicaliste est celui qui utilise sa matière d'art (la couleur, le trait, les formes) pour créer subjectivement une " musique " de couleur sur sa toile. L'artiste n'a eu de cesse à partir de chercher à inscrire la temporalité et le mouvement dans l'espace de la toile. Une quête qui se nourrit à la fois de ses voyages et de son goût pour la science, notamment les mathématiques. Théoricien de renom, Henry Valensi a publié de nombreux écrits sur l'évolution des arts et leur rapport à la matérialité. Il parle de matière d'art : le son est la matière du compositeur, la couleur celle du peintre, les mots, celle du littérateur, la pierre ou le marbre, etc. celle du sculpteur. Les cinq arts que Valensi dénombre sont l'architecture, la sculpture, la peinture, la littérature - incluant la poésie - et la musique - incluant la danse. À travers l'histoire, ces arts respectifs sont régis par les principes d'un art dominant, qui perd de sa matérialité au fur et à mesure que l'on avance dans le temps : l'artiste définit ce phénomène comme " la Loi des Prédominances "7.

Jean-François DUBREUIL (1946) Lecture quantitative d'un support d'information "LE MONDE N°15634 - SERIE QKR1", 1995 Diptyque 3/5/75 Acryliques sur toiles et découpage. Signées au dos avec étiquettes descriptives de l'oeuvre par l'artiste. Étiquette Galerie Lahumière à Paris. H : 47 cm; L : 64 H : 47 cm; L : 24 Etiquette au dos du tableau portant les indications suivantes : Analyse des 'renvois' de la UNE Chaque élément correspond à un cahier : - 1er cahier : 32 pages - 2ème cahier : 'cahier initiatives' : 12 pages Né en 1946, Jean-François Dubreuil construit depuis les années 1970 ses tableaux à partir de supports d'informations imprimés, hebdomadaires et surtout quotidiens (régionaux, nationaux, étrangers). Chaque tableau est une traduction plastique, non pas du contenu de ces journaux, mais des surfaces occupées par les contenus. Le point de départ de ce travail est de nature sinon figurative du moins très référentielle. Il s'agit en l'occurrence de supports d'informations imprimés, hebdomadaires et surtout quotidiens (régionaux, nationaux, étrangers). Chaque tableau résulte de la traduction plastique, non pas du contenu de ces journaux, mais des surfaces occupées par leurs rubriques, soit de la une, soit de la totalité de la publication. La couleur répond aux même types de contraintes. A la base une grille immuable : le noir pour les photos, le gris ou le blanc pour tout ce qui n'est pas mis en évidence par les autres couleurs. L'élément récurrent que l'on retrouve dans ses compositions depuis le début de son activité artistique est le rouge, ce même rouge cadmium pur qui marque l'emplacement des publicités, couleur signalétique par excellence et qui tel un fil conducteur, traverse toute l'oeuvre de Jean-François Dubreuil. A ce minimum chromatique, peuvent se superposer d'autres couleurs dont la fonction est déterminée par la série en cours et dont l'ordre est fixé par tirage au sort. Fidèle au protocole arrêté et à l'échelle des différents espaces qui compartimentent la surface, il jongle entre système et hasard, entre contraintes assumées et surprise des résultats visuels, savourant la liberté offerte par le procédé élaboré une fois pour toutes. Car le travail de Jean-François Dubreuil s'inscrit dans la durée et le temps qui passe. Ses oeuvres ont fait l'objet de nombreuses expositions et sont présentes dans de nombreux musées, tels que le Musée Matisse, l'Espace de l'Art Concret de Mouans-Sartoux, le Museum im Kulturspeicher à Wurzburg et l'Arithmeum de Bonn, la Stadtgalerie Klagenfurt en Autriche, le Fonds National d'Art Contemporain à Paris et plusieurs Fonds Régionaux d'Art Contemporain, et beaucoup en collections privées.

Gottfried HONEGGER (1917-2016) RELIEF Acrylique et medium Signé et daté 1998 au dos et époxy sur acier, signé et daté 2000 H. 90 cm L. 60 cm P. 6 cm Provenance : collection privée Luxembourg

Georges Frédéric RÖTIG (1873-1961). Sangliers au bord de la rivière. Huile sur toile. 73 x 54 cm.

Ecole de Nice. Jean-Claude FAHRI, né en 1940 à Paris, mort à Monaco en 2012 Composition - Relief 3L3, 1965 Peinture et technique mixte en relief Signé, titré et daté au dos 122 x 203 (petits accidents) Provenance : Succession d'un grand Collectionneur méridional Les peintures et compositions de Jean-Claude FAHRI sont rares sur le marché, notamment un tel relief de 1965, réalisé assez tôt dans la production de cet artiste majeur du XXème siècle. En 1957, il s'installe à Nice, où il prend des cours de dessins aux Arts décoratifs de Nice. Il y il rencontre les principaux artistes de l'École de Nice : Ben, Gilli Alocco, Malaval… et les nouveaux-réalistes Arman et Raysse, qui lui font connaître le critique Pierre Restany. En 1965/1966, il travaille sur les " Motorcolors ", puis les sculptures en plexiglas ou en métal. Il travaille un temps avec César. À partir de 1968 (exposition galerie Iris Clert), il se consacre principalement aux sculptures en plexiglas (avec l'appui des usines " Polivar ") : des colonnes et des disques, des pyramides, et ensuite des sculptures dites à "géométrie variable", c'est dans cette direction dans que va se développer son travail avec des oeuvres monumentales Claude Fournet, ancien directeur des Musées de Nice, déclare : " À la maitrise de la matière plastique qui fut l'élément premier de sa recherche se confond une fonctionnalité de formes qu'il emprunte à l'univers du futurisme et du bauhaus. C'est avec cette déviation qui fonde tout artiste aujourd'hui, acte d'appropriation ludique et qui situe magistralement Jean-Claude Farhi dans la ligne des Nouveaux-Réalistes lorsque, jouant des formes, dans son matériau très coloré, il nous propose des sculptures qui sont autant d'épures, dessinées dans la lumière de la couleur pure. L'artiste est présent dans de nombreux musées et collections privées en Europe, Amérique et Asie et a fait l'objet de plusieurs commandes de l'Etat Français.

Beau bracelet en or jaune (probablement 22K) à décor de filigranes en applique, agrémenté d'une micromosaïque dessinant 3 colombes dans un décor de fleurettes et deux cygnes dans des cartouches. Époque fin du XIXe siècle. (accidents à la micromosaïque). PB. 20.8g. Au XIXe siècle le « Grand Tour » amène les voyageurs à Rome. En souvenir un bijou dans le goût de l'antique, remis au goût du jour par la maison Castellani, est souvent ramené de la ville éternelle

Bague or blanc ornée d'un important rubis de taille ovale de 11 carats env agrémenté de 14 diamants blancs de taille moderne. TDD : 54. PB. 6.7g.

Tapisserie d'Aubusson XVIIIème siècle, poque Louis XV Scene pastorale, d'après François Boucher Berger et deux bergères Dimensions : 188 x 138 cm Accidents (à restaurer)

Bechstein. Piano en bois laqué noir. Long: 203 cm. Larg: 150 cm. Hauteur : 100 cm. Restauration récente au laquage noir vernis haute brillance. Issu d'une gamme prestige concert. (Accidents à la laque).

CHANEL Sac à main en cuir verni noir. L. 34 cm. P. 15 cm.

HERMES Paris. Sac à dos Herbag en toile kaki et cuir chocolat. Deux anses et lanière ou bandoulière. Complet de son cadenas et de ses clés sous clochette. Très bel état de la toile proche du neuf, infimes traces au cuir vers le bouton et au niveau du cadenas. 32 x 28 x 10 cm.

Chanel. Modèle Timeless classique single flap en cuir. Numéro de série 3293418.

Chanel. Modèle Camera en cuir de couleur beige. n° série 0534433. Avec carte d'authenticité.

Chanel. Modèle Camera en cuir de couleur rouge. Numéro de série 1315777. Avec sa carte d'authenticité.

Kirby-Beard & Cie. Plateau en argent Minerve 1er titre. Poids. 1210g env.

Edouard Ernie. Ménagère 36 pièces en argent 1er titre de style Rocaille.. 12 fourchettes. 12 cuillers. 12 petites cuillers. XIXe. Poids. 2220g. Joints couverts dépareillés en argent. Poids total d'argent. 2750genv.

Romanée-Conti 1970. Etiquette très endommagée mais identifiable. Production 9626 bouteilles. Capsule endommagée au dessus. Bouchon marqué 1970. Niveau - 6cm.